Praia do Caramboré – Juréia

Além das técnicas de fotografia em si serão abordadas algumas questões voltadas à logística e segurança envolvidas em trabalhos de campo e também métodos para a construção de armadilhas fotográficas.

O Workshop terá duração de um final de semana e será realizado nos dias 27 (translado) 28 e 29 de janeiro de 2012. Caso as condições climáticas estejam ruins o workshop será adiado para o final de semana seguinte.

Estão inclusos no pacote o transporte e o alojamento. Também é possível a participação de acompanhantes que queiram ir conhecer a reserva, mas sem participar das atividades do workshop. Os acompanhantes poderão realizar atividades opcionais como passeios de barco pelo Rio Una ou monitoramento ambiental.

Outras informações e reservas pelo telefone (11) 4063-1628

Um dos caminhos mais usuais para se estabelecer um valor de trabalho é simplesmente dar uma olhada nos preços praticados pela concorrência e diminuir um pouquinho esse valor na intenção de torná-lo mais atrativo para o cliente. Isso acaba acarretando uma “guerra para baixo” que prejudica a todos. Ok… Uma das funções da concorrência é justamente criar um patamar de preços, mas o ideal é que isso seja feito através da eficiência e não no corte indiscriminado dos lucros, pois o resultado disso é apenas um: Tem muito fotógrafo por aí pagando para trabalhar…

Então como elaborar um orçamento realista? O primeiro passo para saber quanto cobrar pelo trabalho é saber quanto custa esse trabalho para você. Então mãos à obra para determinar quanto você gasta por mês para poder trabalhar:

Custos fixos e custos variáveis:

Podemos agrupar nossos custos em dois grandes blocos: Fixos e variáveis. No primeiro grupo estão aqueles que você tem que desembolsar todo mês independente do volume do seu trabalho. Alguns exemplos:

- Aluguel (Se você tem um estúdio ou escritório)

- Internet

- INSS (Contribuição Previdenciária)

- Tarifas bancárias

-Seguros (Imóvel, veículo e equipamento)

- Faxineira

Já os custos variáveis são aqueles que são alterados pelo volume de trabalho, como por exemplo:

- Energia Elétrica

- Telefonia

- Combustível (Se você utiliza seu veículo para atender seus clientes)

- Manutenção

- Insumos (papel para impressora, fundos fotográficos, etc.)

- Impostos (ISS, imposto de renda, etc.)

Para estabelecer e conhecer de forma realista os seus custos é preciso ter a disciplina de criar um livro caixa e anotar religiosamente os seus gastos. Isso não é uma coisa complicada: Para começar basta uma simples planilha eletrônica, que geralmente pode ser importada ou incorporada para um programa mais complexo, caso você venha a adotar algum no futuro.

O ideal é que você avalie os seus custos ao longo do ciclo de um ano para estabelecer uma projeção realista. Mas um período de 3 meses  já nos dá uma idéia razoável de quanto custa nosso trabalho.

De posse desses dados o passo seguinte é estabelecer o impacto dos custos fixos sobre o seu trabalho. Isso é simples: Basta somar o valor dos seus custos fixos mensais e dividir pelas suas horas de trabalho.

Por exemplo: Se você trabalhar 08 horas por dia durante 22 dias por mês então você trabalha 176 horas mensais. Se os seus custos fixos são de, por exemplo, R$ 3000,00 então o peso desses custos está em torno de R$ 17,00 por hora de trabalho.

08 x 22 = 176

3000 / 176 = 17

Já os custos variáveis precisam de um universo de dados um pouco maior para serem estabelecidos. Mas vamos supor que em 3 meses você realizou um total de 36 trabalhos (numa média de 3 por semana ou 12 por mês) e que esses trabalhos geraram um custo de R$ 1500,00/ mês

Então cada trabalho custou:

1500 / 12 = 125

Cada um dos 12 trabalhos mensais realizados então acrescentou um valor de R$ 125,00 aos seus custos. Como você passa 176 horas por mês a disposição desses trabalhos (atendendo ligações, preparando orçamentos, enviando e-mails, negociando com os clientes, etc…) então você pode diluir esse valor ao longo de todas as suas horas de trabalho:

1500 / 176 = 8,50 (valor arredondado)

Assim somando os seus custos fixos (17) e variáveis (8,50) então a sua hora de trabalho custa R$ 25,50 Em outras palavras é isso o que custa para você trabalhar por hora.

Perceba que:

- Os seus custos fixos diminuem quando você aumenta o número de trabalhos.

- Os seus custos variáveis aumentam com o aumento do número de trabalhos.

Para elaborar um orçamento é necessário calcular quantas das suas horas de trabalho serão destinadas a ele. Inclusive aquelas indiretamente relacionadas. No caso do nosso exemplo, supondo que todos os trabalhos fossem rigorosamente iguais (Por exemplo: Books fotográficos) cada um iria consumir 4,8 horas de trabalho.

Portanto o custo de cada um seria de:

25,50 x 4,8 = 122,40

Mas como muitas vezes os trabalhos envolvem cargas horárias diferentes é importante ter o valor da hora de trabalho sempre em mente para elaborar os orçamentos.

Estabelecidos os custos é hora de estabelecer os lucros:

Se você cobrar, por exemplo, R$ 350,00 para produzir um book então o seu lucro será de:

350 – 122,40 = 227,60

Os 12 trabalhos mensais que você realiza lhe proporcionam então um “salário” de R$ 2731,20 já descontados os impostos que foram diluídos como custos.

Custos dos quais muitas vezes nos esquecemos:

Na hora de estabelecer os seus custos é preciso considerar alguns fatores que muitas vezes nos esquecemos:

1. Depreciação do equipamento: Câmeras digitais sofrem uma depreciação muito grande e tem uma vida útil relativamente curta. É preciso levar isso em consideração.
2. Férias: Se você trabalha como autônomo e pretende descansar em algum momento é bom lembrar de computar isso como custo.
3. 13° Salário: O mesmo princípio das férias deve ser aplicado a esse item. Assim se os seus rendimentos são de R$ 2731,20 a cada um dos 12 meses do ano você deve imbutir R$ 227,60 como custo fixo referente ao seu 13º. Isso não é luxo, principalmente se você se lembrar das contas extras que ocorrem em todo começo de ano como IPVA e IPTU.
4. Cursos de atualização e formação. A finalidade deles é que você atenda cada vez melhor o seu cliente, então é justo dividir a conta com ele não é mesmo?
5. Plano de saúde: Você trabalha doente?
6. Caixa reserva para eventualidades: Uma coisa é certa: Merda sempre acontece!

Bonito para os olhos, mas complicado para a câmera. Além disso, normalmente há uma distância razoável entre o que está acontecendo no palco e o fotógrafo e a mobilidade é limitada.

O equipamento “ideal” para essa situação seria uma tele zoom como a 70-200mm clara (f2.8) e uma câmera full frame com baixa densidade de pixels para diminuir a presença de ruído digital que fatalmente ocorrerá ao utilizarmos ISOs mais elevados para compensar a baixa luminosidade do ambiente.

Mas o “ideal” nem sempre é o que os fotógrafos iniciantes têm a mão no momento de se posicionarem frente a um palco para trabalhar. Normalmente o equipamento disponível é uma câmera de sensor pequeno e uma tele escura de f3.5 ou mais. Contudo é possível conseguir resultados satisfatórios com esse tipo de equipamento, embora o processo seja um pouco mais trabalhoso, especialmente durante a etapa de tratamento das imagens.

 Balé Folclorico de La Paz em apresentação no Teatro Municipal de Sucre na Bolívia

Algumas dicas:

Na hora de fotografar:

• Escolha um ISO que fique um pouco abaixo do máximo disponível na câmera. Por exemplo: Se a câmera atinge um valor máximo de ISO de 3200 utilizar um valor ente 800 e 1000, se possível , para minimizar a ocorrência de ruído.
• Uma lente zoom muitas vezes apresenta uma claridade variável. Por exemplo: Uma 70-200mm que seja f3,5-5,6. Isso significa na prática que quanto mais utilizarmos o zoom, mais escura estará a objetiva. A claridade da lente será de 3,5 na posição de 70mm, mas apenas de 5,6 quando em 200mm. Portanto tente se posicionar o mais próximo possível do palco para não ter que solicitar muito do zoom da lente.
• Sempre que possível utilize um tripé ou monopé para dar estabilidade à câmera. Na falta de um apoio próprio improvise algum, como, por exemplo, o encosto de uma cadeira ou poltrona da platéia.
• Escolha os momentos em que as pessoas no palco estejam se movendo pouco para prevenir borrões causados pelo movimento (a não ser é claro que você esteja buscando exatamente isso). Lembre-s e de que movimentos amplos do corpo (como um braço descrevendo um círculo no ar) produzem velocidades relativas diferentes. Assim as pontas dos dedos estarão se movendo muito mais rapidamente do que a articulação do ombro. Portanto é bem possível que as mãos apresentem um borrão enquanto o resto do braço apresenta uma definição melhor. Escolha o momento menos crítico para clicar.
• Se a luz muda rapidamente escolha o modo automático para poder se concentrar melhor na cena e deixar o ajuste de exposição por conta da câmera.
• A fotometria matricial é feita através da leitura média da luz de todo o quadro da cena. Na maioria das vezes esse modo resolve bem a questão, mas em casos de contraste intenso (como um único spot de luz clara sobre um personagem com o resto do palco escuro) uma leitura de luz pontual será mais precisa.
• Se a sua câmera apresenta a opção de gerar arquivos em RAW aproveite! Dá um pouquinho mais de trabalho do que o bom e velho JPEG, mas permite um controle bem melhor no tratamento das imagens.

Na hora de tratar as imagens:

• É comum que a iluminação de palco resulte em imagens com uma saturação exagerada. Ajuste a saturação e também o contraste.
• Pequenos recortes de enquadramento podem valorizar muito as fotos.
• Existem diversos plugins voltados para a redução de ruído, além da ferramenta própria do Photoshop para isso. De todos que experimentei achei que o Noiseware Professional da Imagenomic foi a opção mais completa e simples de usar, com um bom resultado final.

No meio do feriado de carnaval, com um tempo bastante encoberto aqui por São Paulo, decidimos passear pela vila ferroviária de Paranapiaca. Para quem não conhece, essa simpática vilazinha edificada no alto da Serra do Mar por operários ingleses que construiram a ferrovia São Paulo Railway, é um destino clássico dos fotógrafos paulistanos.

A São Paulo Railway ligava o porto de Santos à cidade de Jundiaí na época áurea da produção cafeeira do Brasil. E Paranapiacaba era um entroncamento estratégico da ferrovia onde grandes máquinas movidas a vapor içavam e desciam as composições pelas encostas íngremes da Serra. Todo esse conjunto de trilhos e maquinários hoje abandonados oferecem muitos cenários para a fotografia, além é claro da vila propriamente dita com suas charmosas cazinhas de madeira em estilo inglês. A eterna neblina, a garoa e o friozinho do começo da noite reforçam o clima do local.

Mas como nossa idéia era mais passear do que fotografar acabei levando o mínimo de equipamento: Apenas uma câmera e uma objetiva 24-80mm de uso geral. Mesmo assim foi possível fazer alguns registros  interessantes como a foto abaixo onde a Carol atravessava uma grande passarela que cruza sobre os trilhos da estação:

O halo por trás da cabeça foi obtido encobrindo um poste de luz do local sob a modelo. O ISO alto (1000) e a baixa velocidade ajudaram a realçar essa luz de fundo enquanto o flash embutido da câmera foi usado para iluminar a modelo. Mesmo produzindo uma luz dura e direta o flash praticamente não formou sombras indesejáveis, pois o espaço aberto ao fundo fez com que sua luz se dissipasse completamente.

A opção pelo P&B ajudou a reforçar o clima de época gerado pelo local, pela iluminação e pela antiga farda do Exército Alemão encontrada em um brechô.

A seguir os dados EXIF da imagem:

• Câmera: Nikon D700
• Modo: Manual 
• Objetiva: 24-80mm f2.8 regulada em 60mm
• Abertura: 5.6
• Tempo de exposição: 1/15 segundos
• Iso: 1000
• Flash pop-up em modo TTL

Existem três opções básicas de espaço de cor: sRGB, AdobeRGB e ProPhotoRGB. De um modo resumido eles são usados para as seguintes situações:

• sRGB: Dos tres este é o padrão que apresenta uma menor gama de cores. Aparentemente isso é uma desvantagem, mas na verdade esta é a melhor opção para imagens que serão usadas na web ou impressas diretamente sem nenhum tipo de ajuste ou correção. É preciso ter em mente que os monitores e impressoras tem uma capacidade limitada de reprodução de cores. Portanto imagens em sRGB serão “traduzidas” de forma mais eficiente nessas mídias.

• AdobeRGB: Este espaço de cor é o mais indicado para fotos que serão convertidas de RAW para outros formatos ou ou que irão passar por ajustes como parte do fluxo de trabalho do fotógrafo, pois é um padrão que apresenta uma gama muito superior ao sRGB. É o padrão que eu adoto para trabalhos que serão enviados aos bancos de imagens, por exemplo, já que nesses casos nunca se sabe realmente qual será a necessidade do cliente final.

• ProPhotoRGB: Desenvolvido pela Kodak o ProPhoto é o espaço de cor que possui uma maior capacidade de reprodução de cores, sendo indicado, por exemplo, para trabalhos de fine-art. É um espaço que deve ser utilizado por quem conhece gerenciamento de cores, pois nem sempre mais é sinônimo de melhor. Um navegador de web poderá ter dificuldades para lidar com uma gama tão extensa de cores e o resultado final poderá ser uma foto mais “pobre” do que uma similar reproduzida em sRGB.

Resumindo:

Vai fazer fotos em jpeg para compartilhar com seus amigos no Flickr? Vai de sRGB e seja feliz.

Vai fazer um álbum que será impresso ou um trabalho que será enviado para uma gráfica? Escolha o AdobeRGB.

Quer ter o máximo de controle possível sobre as suas imagens? Fotografe em RAW e depois converta os arquivos para ProPhoto usando-o como formato intermediário de trabalho salvando uma cópia final em sRGB ou AdobeRGB dependendo da aplicação necessária.

Em tempo:

Quando se fotografa em RAW o espaço de cor adotado é irrelevante, pois nesse formato apenas os dados brutos da imagem são registrados. No momento da conversão do RAW para outro formato é que devemos eleger o espaço de cor mais adequado. Essa é mais uma das tantas vantagens de se fotografar em RAW.